jueves, 31 de marzo de 2022

PERFUME RELATIVITY

Nuestro perfume Relativity surgió de la necesidad de representar la resiliencia, según el Tao, el bambú se dobla pero no se rompe, se adapta a los cambios y siempre vuelve a levantarse.

Viene con una bolsa, impresa con tintes respetuosos con el medio ambiente, lleva el mismo logo que la tarjeta: protege al perfume y sobre todo, nos sirve para guardar nuestras cosas en el bolso, una vez ha finalizado su tarea de guardar el frasco del perfume. 

Quisimos ponerle Aldehídos en un claro homenaje a Coco Chanel, que marcó un antes y un después en el mundo de la perfumería y de la Elegancia con mayúsculas al ponerle notas aldehídas a su Nº 5.

Todo sobre un verde esperanza, un verde elegante y equilibrado que nos anima a confiar en nuestras alas, en nuestras armas, en nuestra capacidad.

Así, con éste concepto surgió nuestro perfume más equilibrado y sosegado, nuestro Relativity:


En la etiqueta podéis ver un Enso, el símbolo ancestral japonés del eterno retorno, de la ciclicidad de la vida, la elegancia y el vacío de la meditación en una mente calmada, la creatividad según el Zen.


A un costado véis un bambú y saliendo del Enso una bandada de pájaros que vuelan alto: la libertad, la creatividad, la imaginación.

En la pirámide olfativa también quisimos crear el concepto que estábamos construyendo gráficamente:


La SAL DE MAR que evoca la calma y la permanencia a traves del constante cambio.


El BAMBU como simbolo de la fortaleza a traves de la adaptacion y la invulnerabilidad que otorga encontrar tu verdadero centro.


El SWEET TEA ZING, que nos transporta a Oriente a traves de la meditacion para conseguir un Espiritu libre.

Y todo ello enmarcado por un halo de ALDEHÍDOS, que redondea el perfume aportando permanencia, atemporalidad y ciclicidad.

Así quisimos comenzar nuestra tríada de perfumes con el Relativity, evocando la fortaleza de la Mujer desde la serenidad, la calmada belleza, la elegancia equilibrada y atemporal.

El frasco del perfume es un sencillo prisma de cristal, con el difusor y el tapón plateado, y un mandala, el mandala de la vida, adornado con un lazo y una borla con los colores del perfume: verde esperanzador, verde equilibrado, verde elegante.



Nuestros perfumes, destilados bajo las sabias manos de Magenta's Blood, están concentrados al 30%, el límite entre un perfume y un elixir, y están hechos con base de aceite, dándole perdurabilidad y haciendo que no se evapore tan rápido de nuestro cuerpo.

Y por supuesto, sin nada de sufrimiento animal en el proceso: la belleza ha de ser sin crueldad y surgir de dentro.

Ataraxia, Belleza sosegada, Resiliencia, Meditacion, Equilibrio, Fortaleza. Todo esto es RELATIVITY todo esto eres tu.


Si quieres formar parte de nuestro universo olfativo, no te pieras nuestros perfumes nicho: disponibles en nuestras tiendas de Facebook e Instagram y en nuestra web.


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lunes, 21 de marzo de 2022

¿QUÉ SON LOS PERFUMES NICHO?

Seguro que has oido hablar de los perfumes nicho, pero, ¿Qué son exactamente?

También llamados perfumes de autor, son perfumes únicos, artesanales, poco convencionales y de alta calidad. Sin duda éstas son las características que más podrían definir a un perfume nicho: obras maestras olfativas que destacan por la extraordinaria calidad de sus ingredientes, formulados y creados por maestros exclusivos en base a la exclusividad y tirada limitadísima.

Se denominan "nicho" puesto que son fragancias dirigidas a un segmento o nicho dl mercado que demanda una perfumería de gran calidad. Entusiastas de las fragancias de calidad, coleccionistas y personas que aprecian el glamour, el lujo y la exclusividad.

Nosotros quisimos crear una tríada de perfumes nicho con la maestra perfumera Magenta's Blood para homenajear los tres aspectos de la Mujer que definen nuestra marca: La resiliencia, la confianza y el equilibrio; la femineidad, el erotismo y la delicadeza; la fortaleza, la elegancia y la inteligencia.



Además de ellos, una tirada muy limitada de nuestro homenaje a la Alquimia, a todo lo sagrado que hay en nosotras, al concepto de disolver y construir.

Y por supuesto, todo creado con el máximo mimo, sin crueldad animal y cuidando cada detalle: desde la pirámide olfativa, la estética de los frascos, hechos uno a uno, y el packaging... Todo primorosamente cuidado para que la experiencia sea completa.

Un lujo exclusivo pero no excluyente al alcance de todas. Porque el glamour ha de ser democrático y accesible.

En nuestras siguientes entradas os desvelaremos los secretos de cada uno de ellos.


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jueves, 17 de marzo de 2022

JOYERIA DE LUTO EN EL S. XIX

 La muerte en el XIX era algo bastante más común y estaba mucho más presente en la vida cotidiana de lo que es ahora, dónde los avances médicos y la aseptización de ella en hospitales, en vez de en casas, hace que la veamos como algo más lejano.


En el XIX, las guerras, la malnutrición, la sepsis, las complicaciones durante el parto y las epidemias de gripe o de peste se cobraron miles de vidas, la muerte era muy común y la esperanza de vida rondaba los 50 años. 


Como hemos hablado en anteriores posts, el luto se comenzó a institucionalizar en el XIX debido a dos hechos: en Inglaterra se establece luto oficial en la Corte y el descubrimiento de las anilinas como tinte y la invención de la ebonita como material de joyería hace que se expanda la moda del negro como homenaje y recordatorio de las personas perdidas. Eso unido a la filosofía existencialista y romántica característica del siglo, tenemos los ingredientes perfectos para crear una moda que ha trascendido hasta nuestros días.

A mediados del Siglo XIX, muere el Príncipe Alberto, y su esposa, la Reina Victoria, desolada por esta desgracia impuso un riguroso luto en la corte. La vida seguía su ritmo, y la corte seguía dando fiestas, por lo que el empleo de la joyería de luto se volvió bastante habitual.

Las piedras preciosas y semipreciosas que más se utilizaban eran el azabache, la obsidiana, el ágata negra y la hematita, transformaron collares, broches, pulseras y adornaron tiaras. Tanto fué la demanda del azabache que el precio subió de forma desorbitada, así como la demanda por las clases burguesas.

Charles Goodyear y Thomas Hancock inventaron un nuevo material llamado ebonita, hecho con caucho, azufre y aceite de linaza vulcanizado, que pulido lograba un brillo muy similar al azabache, con un precio muchísimo más asequible, por lo que se democratizó el uso de éste tipo de joyería entre las clases menos pudientes.

Los motivos decorativos en las joyas de luto tenían un significado muy estricto y como todo en el S. XIX estaba pautado: una rosa en forma de capullo significaba la muerte de un niño, mientras que si estaba abierta, simbolizaba el recuerdo de la muerte de un adulto. El esmalte blanco en los medallones, simbolizaba una chica soltera o virgen. 


Tradicionalmente, la joyería victoriana de luto cumplía tres propósitos: Honrar la memoria de un ser querido, recordar la muerte y la fragilidad de la vida en un alarde de romanticismo y como símbolo del estatus social: Teñir tu ropa o cambiarla entera y cambiar todas tus joyas en el periodo de enlutamiento era un proceso realmente caro, por lo que guardar luto era un expositor de la salud económica de la familia. 


El romanticismo proporcionaba una presencia invisible y constante de la muerte, la desgracia y la fatalidad en el mundo de los vivos, y se "conjuraba" el recuerdo y el encuentro de los seres queridos en otro mundo sobrenatural. Así también se crea la joyería de pelo humano y el culto al cabello, un rasgo característico y distintivo de la joyería de luto en el XIX, y que aún a nosotros nos resulta cuanto menos, chocante. 

Pero de ello, hablaremos más adelante, mientras tanto, os dejamos nuestras redes para que sigáis nuestro trabajo:

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miércoles, 9 de marzo de 2022

BREVES APUNTES DE JOYERÍA EN EL S. XIX

 

Durante el periodo romántico van a coexistir diversos tipos de joyas: una joyería elegante, elaborada con finos materiales y gemas; otra de uso cotidiano, realizada con materiales más corrientes y una joyería de luto o sentimental. 

La rígida etiqueta decimonónica dictaba el tipo de atuendo para cada momento del día, como hemos visto, de mañana, noche, paseo, baile, opera, visitas, pero también tanto la edad como el estado civil de la dama establecían los modelos de indumentaria y adornos que debía llevar. 



Según este protocolo, las mujeres solteras habían de presentarse con un atuendo y unas joyas sencillas y discretas. Las casadas, por el contrario, podían llevar alhajas más lujosas, realizadas en oro y adornadas con brillantes o diamantes, que solían ser un regalo del marido. Por tanto, las lucían cuando aparecían con él, es decir, en cenas, fiestas, bailes salidas al teatro o a la ópera.  Estos constantes cambios hace que los orfebres diseñen joyas que puedan desmontar y cambiar dependiendo de la ocasión, creando joyas muy versátiles y originales: diademas que se convierten en pulseras o brazaletes, y que juntándolas, se convierten en collares, por ejemplo.


La gran demanda por parte de todo el público, unido también al desarrollo de la Industria y el gran auge de la química industrial del XIX, impulsada por las diferentes Exposiciones Universales que se sucedieron durante todo el XIX contribuyeron a difundir y ampliar todos estos avances técnicos, y hace que se busquen nuevos materiales y nuevas técnicas para diversificar el mercado y abastecer a la alta y baja burguesía en este juego de las apariencias. 


Así aparece la ebonita (uno de los primeros polímeros en descubrirse, que aparece al vulcanizar caucho y azufre ), que sustituyó al azabache, el


celuloide (Nitrato de Celulosa, y es considerado uno de los primeros termoplásticos ), para imitar el marfil, los cristales coloreados o el strass  (realizada en vidrio o gema de cuarzo) en vez de las piedras preciosas.  También aparecen las prensas manuales que troquelan el diseño de la joya en lámina de oro, o la técnica de cannetille, que hace una fina malla en la que se insertan pequeñas esferillas formando una filigrana fina, lo que consigue que se cree mayor volumen de joya con menor cantidad de oro.


Los vestidos de gala, pesados y cargados de la primera mitad del XIX, hacen que se utilicen joyas igualmente recargadas, y la utilización de vestidos de noche sin mangas y muy escotados, permite llevar joyas que vistan estas zonas más desnudas, usando piedras que capten la luz oscilante de las lámparas de gas y hagan destellos que hagan brillar a las damas en un baile, teatro u ópera.

La segunda mitad del XIX, con el desarrollo de nuevas técnicas, se pone muy de moda la temática floral, puesto que los nuevos inventos permiten imitar infinidad de flores con detalles muy marcados. También influye en esta corriente, el goticismo y el orientalismo, muy orientados a motivos naturales y observación de la botánica y la Naturaleza, lo que hace que se creen joyas inspiradas en ella.

Como hemos hablado antes, la aparición de la dama elegante en un baile, iluminado por candilejas o luces de gas, hace que quiera acaparar la atención, dotando a las joyas de infinidad de reflejos y destellos, y un gran avance en ésta época fue la “montura en tembladera”: se montaba la piedra preciosa en una montura que se movía con el movimiento de la dama al andar o mover el cuerpo creando un grácil efecto natural y destelleante.

La joyería de uso cotidiano se caracteriza por ser más sencilla y recatada: al vestir con vestidos de manga larga y escote cerrado, y la cabeza cubierta por capota, hace que las joyas sean más discretas y de materiales de menor coste: oro bajo o plata, adornado con esmaltes o piedras semipreciosas como el ámbar, las perlas o el cristal de roca.



              Y por último, tendríamos la joyería de luto... pero ésta da para un post aparte, a si que.... ¡¡nos vemos en el siguiente post!!

Espero que os haya gustado y si es así, ¡¡seguidnos en redes!!



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BALENCIAGA: LA PERFECCIÓN DE LA TÉCNICA

 Últimamente estamos oyendo hablar mucho sobre la figura de Balenciaga, a raíz de la serie que Disney+ ha creado sobre el baluarte de la mod...